Antes de abrir el atelier digital conviene saber qué esperamos de ti y qué puedes esperar de nosotros. El onboarding es corto, pero marca el tono de todo el taller: revisamos tu punto de partida, elegimos el laboratorio adecuado y fijamos un ritmo de bocetos realista para las primeras semanas.
El onboarding no es una inscripción rápida: es un recorrido guiado que ordena el trabajo por etapas. Cada fase tiene una entrega concreta y una revisión antes de pasar a la siguiente. Así se evita acumular bocetos sueltos sin dirección y se llega al proyecto final con material coherente.
Revisamos portafolio previo, referencias y objetivos personales. Definimos qué tipo de personaje o narrativa se quiere desarrollar y con qué nivel de acabado. La entrega es una ficha de proyecto con alcance, referencias visuales y una lista de dudas a resolver durante el taller.
Trabajamos manchas, proporciones y posturas sin entrar todavía en detalle. El objetivo es que cada figura se reconozca en negro plano antes de añadir color o textura. Se entregan entre ocho y doce variantes de silueta por personaje, con notas sobre qué comunica cada una.
Partimos de referencias fotográficas y vídeo para identificar cejas, párpados y boca como ejes de la emoción. Después simplificamos hasta un estilo propio y probamos coherencia en varias viñetas. La entrega incluye una hoja de expresiones base del personaje y una variación extrema.
Construimos una gama limitada para el personaje, el escenario y los momentos clave. Revisamos contraste, temperatura y saturación como herramientas para dirigir la mirada del lector. Se entrega una paleta cerrada con muestras aplicadas y una prueba de cambio de código cromático.
Ordenamos las viñetas, decidimos ritmo y planos, y verificamos que la historia se lea sin texto de apoyo. Aquí aparecen los ajustes más incómodos: recortar escenas que no aportan y reforzar las que sí sostienen el relato. La entrega es un storyboard completo con anotaciones de cámara.
Revisión final del proyecto ilustrado, corrección de detalles y preparación del archivo personal. Cada estudiante cierra con una carpeta ordenada: bocetos, versiones, paleta y notas de proceso. Ese archivo queda como base reutilizable para el siguiente proyecto original.
Cada proceso creativo tiene zonas grises. Aquí dejamos por escrito cómo leemos ciertos términos dentro de Cuteanddeadly, para que nadie llegue al primer taller esperando algo distinto de lo que realmente ocurre.
Cuando pedimos bocetos, hablamos de trazos rápidos, manchas y pruebas de silueta hechas para pensar, no para presentar. Un boceto puede estar sucio, tachado o repetido diez veces. Si un ejercicio llega demasiado pulido, suele significar que se dedicó tiempo a limpiar antes de resolver la forma, y eso lo corregimos en la revisión.
En el laboratorio de personajes insistimos en que explorar no es indecisión. Un estudiante puede pasar de un trazo suelto a uno más geométrico en el mismo mes. Eso es parte del proceso. Lo que sí pedimos es que cada decisión gráfica tenga una razón: proporción, gesto, peso de línea o lectura de silueta.
El archivo de referencias existe para estudiar, comparar y desarmar. Usar una imagen como base para entender anatomía, color o composición es válido. Reproducirla y presentarla como propia, no. En storyboard y narrativa gráfica trabajamos con material de cómic, animación y fotografía, siempre señalando de dónde viene cada influencia.
Los talleres están pensados para avanzar por sesiones, no por sprints. Si una semana no alcanza para cerrar un ejercicio de color, se retoma en la siguiente sin penalización. Preferimos una evolución lenta y visible antes que una entrega apurada que no refleje el concepto que se estaba trabajando.
Publicar en la galería creativa no es un examen final. Ahí conviven pruebas de expresión, paletas descartadas y viñetas a medio camino. La idea es que se vea el recorrido, no solo el resultado. Si algo no funcionó, también tiene lugar: muchas veces el error enseña más que la pieza terminada.
Antes de entrar al atelier digital conviene saber qué ocurre en cada paso. El proceso está pensado para que llegues al primer ejercicio con referencias claras, materiales listos y una idea concreta de lo que vas a construir durante las semanas siguientes.
Nos escribes con tu experiencia previa, el tipo de personaje o proyecto que te interesa y el tiempo real que puedes dedicar cada semana. No pedimos portafolio cerrado: nos sirve más saber si vienes del dibujo tradicional, del diseño gráfico o si empiezas desde cero.
Con esa información ubicamos tu perfil dentro del laboratorio de personajes o del taller de ilustración. Si tu objetivo es narrativa gráfica, priorizamos storyboard y color; si es diseño de criaturas, arrancamos por silueta y expresión. La decisión se comenta contigo antes de confirmar.
Recibes la ruta de trabajo, el calendario de entregas y acceso al archivo de referencias. Ahí conviven bocetos de otros estudiantes, paletas de color y ejercicios resueltos. Es material de consulta, no una plantilla: la idea es que lo uses para comparar decisiones, no para copiar resultados.
Las dos primeras semanas son de exploración gráfica: manchas, siluetas y estudios de gesto. Cada entrega vuelve con notas escritas sobre proporción, lectura de forma y coherencia expresiva. Si algo no funciona, se dice con claridad y se propone un ajuste concreto.
Hacia el final del ciclo trabajas una pieza propia: una página de cómic, una lámina de personaje o una secuencia corta. El cierre incluye una revisión conjunta y una lista de siguientes pasos para que el proyecto no se quede archivado al terminar el taller.
Si tienes dudas sobre el encaje de tu perfil o el tiempo que exige cada etapa, puedes revisar primero las soluciones por tipo de proyecto o escribirnos directamente desde la página de contacto. Respondemos con el detalle del proceso antes de que confirmes nada.