Una academia creativa en línea donde el dibujo se aprende bocetando, corrigiendo y volviendo a intentar. Aquí no vendemos fórmulas rápidas: acompañamos procesos de personajes, ilustración y narrativa gráfica hasta que cada proyecto encuentra su propia voz.
Detrás de Cuteanddeadly hay un equipo pequeño que dibuja, corrige y discute bocetos todas las semanas. No somos una plataforma con cientos de profesores anónimos: cada taller lo imparte alguien que sigue produciendo su propio trabajo y que conoce el desgaste real de sacar un proyecto original adelante.
Estas son las personas que responden en clase, revisan ejercicios y deciden qué entra en el archivo de referencias.
Coordina el atelier digital y define la línea gráfica de cada taller. Lleva más de una década construyendo personajes para cómic e ilustración editorial, y es quien insiste en que ninguna silueta pase a color sin funcionar primero en negro plano.
Laboratorio de personajesResponsable de los ejercicios de expresión y lenguaje gestual. Trabaja con referencias de vídeo y fotografía para desarmar emociones en cejas, párpados y boca, y luego reconstruirlas en trazo simplificado. Sus correcciones suelen centrarse en lo que sobra, no en lo que falta.
Color y narrativaDiseña el módulo de teoría del color aplicada. Antes de dar una paleta, pregunta qué momento de la historia se está contando. Ha trabajado paletas limitadas para proyectos de animación y explica el color como código, no como decoración.
Storyboard y secuenciaGuía los talleres de storyboard y ritmo narrativo. Viene del mundo del cortometraje y del cómic breve, así que insiste mucho en el encuadre y en qué información se retiene entre viñeta y viñeta. Revisa los proyectos ilustrados antes de su cierre.
Archivo y referenciasMantiene el archivo de referencias y la galería creativa del sitio. Clasifica material de cómic, animación y diseño de criaturas para que los estudiantes consulten ejemplos concretos durante los ejercicios, no solo teoría suelta.
Si quieres saber cómo trabajamos antes de inscribirte en un taller, escríbenos y te contamos el proceso con calma.
Escribir al equipoCronología del atelier: lo que empezó como un cuaderno de bocetos compartido y terminó siendo un método de enseñanza.
Camila Diaz Rodriguez y Manuel Silva Diaz empezaron reuniendo a seis personas en una mesa larga para dibujar siluetas en negro plano. No había plataforma ni temario: solo ejercicios de mancha, corrección en vivo y la costumbre de mostrar el boceto antes de borrarlo. De ahí salió la idea de que un personaje se sostiene primero por su contorno.
Monica Ramirez Perez incorporó las sesiones de expresión facial y el trabajo con referencias de vídeo. Empezamos a separar lo que era copia de lo que era traducción gráfica: qué ceja se exagera, qué párpado se simplifica. Ese año quedó claro que el atelier necesitaba un archivo propio de referencias y no depender de imágenes sueltas.
Con Camila Lopez Romero y Jorge Romero Flores se abrieron dos frentes: secuencias dibujadas y teoría del color aplicada. Dejamos de tratar la paleta como decoración y empezamos a usarla como código: un cambio de temperatura avisa que algo se rompió en la historia. Los ejercicios de storyboard pasaron a tener restricciones de viñetas y ritmo.
Trasladamos el taller a formato online sin perder la corrección uno a uno. La galería creativa nació como espacio de revisión pública: cada estudiante publica su proceso, no solo el resultado final. El archivo de referencias creció con material propio y notas de clase, y se volvió la columna vertebral de los cursos.
Cerramos el ciclo con proyectos completos: personaje, universo visual y narrativa gráfica en un mismo ejercicio. La meta no es entregar una lámina bonita, sino sostener decisiones durante semanas. Varios trabajos de esa etapa siguen circulando como ejemplos internos de cómo se construye un estilo propio sin copiar el de otro.
Cada etapa dejó algo que todavía usamos: el test de silueta, la simplificación de gestos, las paletas limitadas, el archivo de referencias y la costumbre de mostrar el proceso antes del resultado. Lo que sigue es seguir abriendo el laboratorio a quien quiera aprender a mirar antes de dibujar.
Dudas reales de quienes llegan al atelier digital con un cuaderno a medio llenar y ganas de ordenar su proceso. Respondemos lo que más se repite en las sesiones de boceto y en el laboratorio de personajes.
No. La mayoría llega dibujando por intuición, sin un método claro para repetir lo que le sale bien. Trabajamos desde la mancha y la silueta para que cada persona reconozca sus propias decisiones gráficas. El estilo aparece después, cuando ya sabes por qué eliges una proporción o un trazo y no otro.
Ambos conviven en el mismo flujo. Empezamos con lápiz y papel porque el error se corrige rápido y sin capas. Después pasamos a tableta o software de ilustración para trabajar color, storyboard y variaciones de un mismo personaje. Lo importante no es la herramienta, sino que puedas testear una idea en pocos minutos.
Con veinte o treinta minutos diarios de boceto se avanza más que con una jornada larga a la semana. Los ejercicios están pensados para repetirse en cuadernos pequeños: siluetas en negro plano, estudios de expresión, pruebas de paleta. La constancia pesa más que la duración de cada bloque.
Las dos cosas se cruzan. Hay consignas comunes para practicar fundamentos y, en paralelo, cada estudiante empuja su propio universo visual: un personaje recurrente, una escena, una serie de viñetas. Así el ejercicio no queda aislado, sino que alimenta el proyecto que ya traías en la cabeza.
Los grupos son reducidos y el ritmo se ajusta según lo que cada persona necesita resolver. Quien recién empieza recibe pautas concretas de observación y simplificación. Quien ya ilustra encuentra revisiones más finas sobre narrativa gráfica, coherencia de personaje y construcción de escenarios.
Si tu duda no aparece aquí, escríbenos y la resolvemos antes de que reserves tu lugar. También puedes revisar las condiciones del taller o escribir a info@cuteanddeadly.com para casos particulares.
Un estudio que trata el dibujo como oficio: se practica, se corrige y se comparte. No vendemos atajos ni prometemos resultados rápidos.
Antes de pensar en acabados, texturas o paletas vistosas, trabajamos la estructura. Un personaje que no se sostiene en un boceto a lápiz tampoco se sostiene después. Por eso los talleres empiezan con manchas, líneas sueltas y pruebas de proporción, y solo cuando la forma respira pasamos al color. Es un ritmo más lento del que muchos esperan al entrar, pero es el que permite avanzar sin depender de la suerte.
La plataforma funciona como un taller abierto: laboratorio de personajes, galería creativa y archivo de referencias conviven en el mismo espacio. Los ejercicios se publican, se comentan y se revisan entre estudiantes y docentes. Nos interesa que el error circule, porque de ahí sale casi todo lo útil. La crítica se da con criterio y sin condescendencia: señalamos qué funciona, qué no y por qué, para que cada quien decida qué conservar.
Muchos llegan con referencias claras de cómic, animación o ilustración editorial, y eso está bien como punto de partida. El trabajo real empieza cuando esas referencias se digieren y se transforman en un lenguaje propio. Acompañamos ese proceso con ejercicios de narrativa gráfica, storyboard y teoría del color aplicada, siempre con la mira puesta en proyectos originales que la persona pueda defender con argumentos, no solo con gusto.
Al terminar un taller, la meta no es un portafolio bonito sino un método. Que cada estudiante sepa cómo atacar una silueta nueva, cómo probar una expresión sin bloquearse y cómo elegir una paleta que acompañe la historia en lugar de competir con ella. Ese criterio es lo que sostiene proyectos a largo plazo: encargos, series propias, colaboraciones. Si al salir alguien dibuja con más dudas productivas que antes, vamos por buen camino.